Le mixage

L'art de placer les objets sonores

Le mixage demande du temps et surtout un recul sur son travail. Il est important de reposer votre audition, 'nettoyer vos oreilles' afin de reprendre le mixage avec une vision reposer de votre travail. Techniquement, laissez vous de la marge, les objets sonores doivent avoir un niveau sonore équilibré. Un niveau suffisant pour l'écoute et un niveau pour les transformations des objets, une valeur relative de 70% des capacités de volume est un bon compromis. Dans le cadre d'une musique acoustique, vous devrez respecter le timbre des instruments sauf intention voulue. Le mixage est l'art de placer les instruments dans l'espace sonore afin que l'auditeur puisse les reconnaître et percevoir les détails harmoniques. Dans un premier temps, vous amplifiez les objets avec la fonction de gain afin de niveler leur niveau. Puis vous égalisez les objets. Enfin, vous les répartissez dans l'espace par la fonction panoramique.

 

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ingénieur du son

 

Un ingénieur sonore

Mixer différentes sonorités est difficile d'où le coût à la journée d'un ingénieur du son. Pour devenir un ingénieur du son de renommée internationale, vous devez avoir derrière vous une solide expérience acquise au cours de longues heures sur plusieurs années. Vous aurez dès lors la maîtrise d'une grande variété sonore dans différents styles et aurez élargie votre capacité d'écoute et de perception. Bien sur, la possibilité d'obtenir cette expérience dans des studios équipés de matériels haut de gamme augmenteront votre potentiel qualitatif de réalisation.

A force de travail, vos réalisations peuvent être proche des masters professionnels que seuls quelques mélomanes érudits sauront déterminer les différences.

acoustique design

 

Soignez votre environnement

Un bon entourage suffit alors à régler quelques problèmes de base. A commencer par la disposition d'un local avec une bonne acoustique. Une surface plane et dure provoque des réflexions sonores qui peuvent altérer votre jugement auditif. Il est important de diminuer ces réflexions par une absorption acoustique en diminuant la force des réflexions. C'est à dire en les brisant de façon irrégulière par l'apport d'angles différents.

Des matériaux doux absorbent les hautes fréquences très directives et les hauts médiums. Les tapis et autres feutrines provoquent des amortissements qui sont accessibles à votre porte-feuille. Vous pouvez pour amortir les basses fréquences disposer entre différents espaces vides quelques tapis en les alternant.

Vous devez casser la régularité des murs en disposant vos tapis de façon irrégulière.

Votre chambre d'écoute doit être aussi symétrique que possible. C'est à dire que les 3 sommets d'un triangle équilatéral sont votre tête et les deux enceintes d'écoute. Ainsi votre écoute est plus directe et n'est pas soumise aux réflexions. Une absorption sonore sur le plafond et sur les murs sont également utiles.

patch bay routage audio

 

Le routage

Le choix des enceintes d'écoute diffuse une révélation des défauts de l'enregistrement et de la combinaison du mixage de différentes sources sonores. Le rendu sonore des enceintes ne doivent pas flatter votre égo, choisissez des enceintes d'écoute neutres. L'amplification intégrée aux moniteurs est un choix significatifs, si ce n'est pas le cas, optez pour une amplification d'excellente qualité.

La station audionumérique de travail ne nécessite pas l'utilisation de logiciels et greffons couteux. Il est possibible de faire des mix à vocation professionnelle à moindre coût hors celui de l'interface matérielle. Il est bien entendu de procéder à des sauvegardes régulières et parfois de sauvegarder différents thèmes personnels de mixage. Un repos de vos oreilles est obligatoire afin de ne pas les fatiguer. Une ré-écoute le lendemain vous permet de redécouvrir votre travail et avoir un jugement plus sain.

Pour l'enregistrement un schéma des dispositions des microphones, de câblage, et de routage dans votre console virtuelle de mixage est absolument nécessaire. Il existe deux types d'enregistrement celui acoustique qui nécessite des microphones et celui électronique qui ne sont que des raccords de câbles. La prise de son acoustique est de loin la plus difficile.

Dans la musique pop-rock, les pistes sonores acquises numériquement sont celles des instruments, les choeurs et le chant principal. Dans le processus du mixage, vous devez d'abord équilibrer les instruments, puis les pistes de la voix et enfin celles des chœur.

Maintenant que vous avez équilibré ces principaux flux, vous devez avoir une bonne "vue" auditive de l'ensemble. Puis vous affinez les mélanges pour optimiser le résultat. Si vous êtes expérimentés vous pouvez procéder par une autre approche, celle de votre instinct.

enregistrement batterie

 

enregistrement percussion

Les percussions

La disposition verticale des pistes est couramment employée de la façon suivante : la piste principale de la voix leader au sommet, puis suivi par la grosse caisse en dessous, suivi de la caisse claire, les toms, charleston, les prises au dessus de la batterie (overhead), la guitare basse, les autres guitares, clavier, autres instruments puis les choristes. Bien sur suivant vos configurations vous pouvez vous organisez autrement. A ce stade vous équilibrez les volumes de chaques voix et vous vous imprégnez de l'univers de la narration sonore.

Dès lors, vous repérez quelle partie est la plus importante de la narration, le refrain ? le couplet ? la mélodie ? Quelle partie est la plus accrocheuse pour le public. Une fois celle-ci délimitée, vous allez pouvoir la mixer avant de passez aux autres parties. Les marqueurs vous permettent également de segmenter votre narration en les nommant introduction, solo, refrain, couplet 1 etc.

La place de la batterie est importante. Dans votre équilibrage des différentes pistes de percussions vous pouvez définir son rôle. Ce peut être un son lourd et volumineux d'un rock à celui léger et ponctuel d'une ballade. Les styles de musique définissent largement le rôle et la place de cette instrument. Faîtes référence à votre culture musicale.

Si votre choix porte sur un rock lourd, vous définissez le timbre de votre grosse caisse et de votre caisse claire comme très présente et agressive. Vous augmentez le volume de ces percussions sur les fréquences fondamentales en utilisant l'outil d'égalisation. Une compression avec une attaque lente de 100 milliseconde environ affirmera leur présence agressive. Si votre intention est plus douce, vous pouvez laisser les timbres tels qu'ils ont été acquis à la prise de son, en diminuant le volume si nécessaire des fréquences harmoniques désagréables. Classiquement la grosse caisse et la caisse claire ont un niveau sonore équivalent et leur répartition dans l'espace est centrale.

Le charleston produit des basses fréquences, il peut être utile des les amincir si vous trouvez son timbre trop dur. Sa répartition dans l'espace est souvent similaire à sa position réelle dans la configuration des percussions de batterie. Quand aux prises d'ambiance (overhead), vous assignez la voie de gauche totalement à gauche et celle de droite totalement à droite. Les toms quant à eux sont à demi niveau de spatialisation sonore suivant leur position réelle. Désormais votre batterie devrait sonner. Vous assignez alors vos sorties de voies de batterie vers un bus auxiliaire stéréo. Cette technique appelée sous-groupe permet de régler le niveau de la batterie dans son ensemble plutôt que de retoucher le niveau sonore de chaque percussion.

Les touches finales sont l'ajout de la réverbération sur les voies, en l'occurence principalement celle de la caisse claire. Vous devez réglez le temps de réverbération sur l'espace disponible entre chaque coup de caisse.

vocal enregistrement

 

microphone guitare

Instruments et voix

Voici le temps de mélanger les autres instruments avec la batterie. La basse doit se confondre avec la batterie tout en préservant son audition. L'ensemble basse-batterie est souvent permanent. Il est souvent bénéfique de compresser la basse afin que chaque note ait le même niveau sonore et de l'égaliser. Ensuite viennent les guitares ou le rôle des harmoniques est important. Si vous avez deux guitares, vous pouvez les attribuer dans l'espace chacune vers un espace diamétralement opposée. Souvent les guitares électriques ont tendance à occuper le même espace de hauteur harmonique et ainsi entre en conflit l'une avec l'autre. Vous devez dès lors jouer avec l'égalisation afin de les départager dans l'attribution de l'espace fréquentielle. La région des fréquence de 3 à 3.5 kHz est la place désignée pour la voix principale, vous laissez cette place disponible pour celle-ci. Les fréquences basses des guitares ne doivent pas remplir le champs des fréquences de la guitare basses, vous aurez donc peut être à réduire leur présence sur les voies des guitares. En règle générale, il est utile de couper les fréquences basses de tout instrument qui ne sont pas des instruments de basse. Vous n'avez plus qu'à ajouter les autres instruments et équilibrer tous les niveaux. Imaginez le groupe sur scène et faites en conséquence la répartition dans l'espace. Également, vous respectez la notion d'avant plan, de plan intermédiaire et d'arrière plan des disposition des instruments dans l'orchestre. L'atténuation des niveaux de volume et des hautes fréquences des instruments d'arrière plan permettent de simuler leur position dans l'espace. Attention, vous n'utilisez la réverbération que si nécessaire.

Quant à la voix, si vous disposez d'un très bon microphone et d'une très bonne prise de son, vous n'aurez que peu de retouche à faire sur l'égalisation. Cependant, une touche de compression acoustique rend la voix plus présente. Une attaque rapide, un ratio de 3:1 ou 4:1 pour commencer et un temps de libération de 100 millisecondes ajouté au contrôle du seuil de 10 dB maximum, vous permettent dans un premier temps de juger la présence de la voix. Vous affinez dès lors suivant la personnalité vocale ces paramètres. Ensuite, insérez un greffon d'égalisation après le compresseur, ces deux effets interagissent l'un envers l'autre, vous effectuez dès lors un allez-retour entre ces deux effets. Si la voix est trop présente, diminuez les basses fréquences et compensez autour des 3 à 3.5 kHz. Vous pouvez afin d'épaissir la voix ajouter un écho de répétition appelé delay ou retard monophonique ou bien stéréophonique si vous êtes plus expérimenté. Saupoudrez, délayez, épicez, faîtes à votre sauce ! Puis spatialiser par une réverbération d'environ de 1.5 sec.

choeur high school

 

mastering

Choeurs et finalisation

L'ajout des chœurs est généralement plus facile, car ils ont la même texture sonore. Les router de ce fait dans un sous-groupe stéréo et compensez le volume du sous-groupe. Vous pouvez y affecter une égalisation si besoin et une légère réverbération. Par contre, si les niveaux de voies des choeurs sont inégaux, affectez leur sur chacune de leur voie, celles avant envoie vers le sous-groupe, une compression acoustique.

Bien sur, toutes ces étapes sont sur l'extrait défini précédemment comme meilleur moment de la narration musicale. Maintenant, écoutez vos réglages sur l'ensemble de la composition musicale. A priori ceux-ci devraient fonctionner sur la totalité de la narration sonore. Cependant sur certaines sections vous devrez faire des ajustements. Vous disposez dès lors des automations ou des tâches automatiques pour affiner, peaufiner, finaliser votre travail. La fonction "Enregistrer sous" sera sans doute très sollicitée. Autre méthode vous pouvez créer des pistes supplémentaires par partie de la narration musicale en procédant par copier-coller.

Si vous estimez votre équilibrage parfait dès lors vous êtes sur la bonne voie. Si par contre vous n'arrivez pas à vous en sortir, vous n'obtenez pas ce que vous voulez, dès lors reposez vous, laissez le temps agir et écoutez quelques jours plus tard vos différentes versions. De l'entrainement et de l'expérience arriveront à bout de ces chemins de doute et de mixage sans issue. De plus, ce qui vous semble convenable ou excellent aujourd'hui ne le sera plus dans plusieurs mois.

 

 

audio meter

 

mastering deep house

 

Le Mastering

Vous avez finalisé votre travail et le but ultime est que les mélomanes soient intéressés par votre production musical. Sachez que peu d'auditeurs ont un auditorium, que leurs enceintes sont de qualités médiocres et qu'enfin au pire ils écouteront le titre à travers les enceintes de leur téléphone portable. Tout ce temps à mixer pour finalement voir écouter un auditeur avec un support de diffusion de qualité nulle ! Le public écoute la musique comme bon il leur semble.

En dernier lieu vous devrez passer par l'étape du mastering. Le mastering est une spécialisation de l'ingénieur du son. Beaucoup d'enregistrements ont été massacré par le mastering, gardez toujours sous le coude votre mixage original. Avant d'insérer des effets dans votre voie de sortie, le canal master de votre mixage, vous devez être persuadé que vous avez le mixage de vos souhaits. Vous pouvez alors exporter votre mixage en stéréo. Incorporez votre export dans une nouvelle session de votre station de travail audionumérique et chargez également une piste stéréo d'un master commercialisé que vous appréciez.

Vous réglez vos pistes afin qu'elles soient similaire à la piste commercial de référence. Bien sur, il n'existe aucun écrêtage visible sur les vue mètres, l'horrible saturation numérique. Si besoin, corrigez cette situation, s'il est possible. Vous testez votre travail et votre piste de référence sur différentes écoutes, optimisez puis affinez ! Avez vous la combinaison parfaite ?